Te proponemos hacer una audición de los estilos de música del S. XIX y S. XX.
Aquí tendrás dos vídeos. En el primero te presentamos 10 temas musicales, en este ejercicio tendrás que poner el nombre del tema, el del autor y del período.
En el segundo vídeo, consta también de 10 estilos musicales. Aquí únicamente tendrás que poner el nombre del estilo.
Te puedes ayudar de la entrada anterior "Estilos musicales del S. XIX y del S. XX. 2º ESO"
Hola Chicos y Chicas, aquí les pondré ejemplos de cada una de las audiciones que van a caer en la prueba.
Esta vez se dividirá en dos: por un lado ejemplos de los estilos que clausuraron el siglo XIX y dieron pie al siguiente siglo (Nacionalismo, Posromanticismo, Impresionismo y Expresionismo) en este caso deben distinguir el tema, compositor, estilo y país en el caso del Nacionalismo; y por otro lado identificar el estilo de corrientes musicales como algunos tipos de jazz, el rock and roll, etc.
Y a partir de aquí empezamos con el Jazz: primero con el Dixieland que fue el jazz primigenio, en los años treinta se dio el swing con big bands como las de Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie y en los años 40 se dio el Be Bop de la mano de varios músicos, entre ellos Charlie Parker y Dizzy Gillespie.
Ya en los años 50 se solapan algunos estilos como el Doo Wop (Grupos vocales) y el Rock and Roll con artistas como Little Richard, Chuck Berry o Elvis Presley. Este estilo ampliaría el horizonte del ingenio musical dando pie a muchísimos subgéneros.
Ya en Los 60 como ejemplo pondremos el Pop de Los Beatles, aunque en esta década aparecen también grupos como Los Rolling Stones, Led Zeppelin o el gran guitarrista Jimmy Hendrix.
La influencia del Rock y del Pop británico en España dio como resultados numerosos grupos que marcan una gran diferencia con la década anterior. Algunos de ellos cantaban en inglés como Los Canarios, originarios de Las Palmas de Gran Canaria.
En esta entrada les daré ejemplos de las diferentes audiciones de los tres períodos. Es importante que dediques un tiempo a intentar diferenciar cada una y ubicarla en el período determinado.
Antes de nada, esclarecer algunas generalidades de cada período.
En el Barroco se suele utilizar la textura polifónica o contrapuntística. La música es muy regular, marcada y en las piezas orquestales suele acompañar el clave.
En las formas menores las más importantes son el preludio y la tocata: piezas de carácter libre para instrumento de tecla y la fuga (que ya la hemos trabajado en clase)
En las formas mayores nos encontramos con el Concierto para solista (Una pieza orquestal y un instrumento solista), el Concerto grosso (Pieza orquestal y con un grupo de solistas) y por último la Suite (pieza generalmente orquestal que la constituye una colección de danzas de la época).
En la música Vocal, surge la ópera con preludios, arias, recitativos, dúos, coros e interludios instrumentales.
En El Clasicismo, la textura imperante es la homofónica. Cobra especial importancia la melodía, que llega a ser casi infantil en muchos casos.
Surge la Sonata Clásica (que ya hemos trabajado en clase) llega a ser tan importante que se utiliza en composiciones para todas las agrupaciones
Si la sonata la tocan uno, dos o tres instrumentos simplemente se llama sonata
Si la tocan cuatro, se denomina cuarteto, si la tocan cinco, quinteto,...
Si la toca una orquesta: Sinfonía
Y si la toca una orquesta con solista: Concierto para solista.
Desaparece la Suite Barroca y El Concerto Grosso y se desarrolla especialmente la Sinfonía y el Concierto para Solista
La ópera sigue en auge y se comienza a escribir óperas cómicas. Todas ellas con preludios, arias, recitativos, dúos, ..., coros e interludios instrumentales.
En El Romanticismo lo más importante es transmitir sentimientos. La música debía estar viva: al igual que un corazón no late siempre con el mismo ritmo, la música tampoco debía tener un mismo tempo. Hay grandes cambios de tempo y de intensidad.
El instrumento rey va a ser el piano: casi todo los románticos son grandes pianistas, empezando por Beethoven y siguiendo por Liszt, Chopin, Schumman, Schubert, etc...
Para piano se siguen componiendo sonatas, pero también surgen una serie de piezas breves: nocturnos, polonesas, valses, estudios, barcarolas, polcas, etc...
Surge una nueva forma: el lied, que son canciones para cantante y piano, generalmente con temática amorosa. El compositor más importante en esta nueva forma es Schubert.
En la música orquestal se siguen componiendo sinfonías y conciertos para solista y aparece una forma nueva: El poema sinfónico donde el compositor intenta relatar una historia solamente con música instrumental.
La ópera sigue siendo el espectáculo preferido por el público y en el Romanticismo se sigue componiendo pero de acuerdo con la estética moderna.
TEN EN CUENTA LO SIGUIENTE
En el Barroco no se utilizaba piano (si escuchas una obra con piano no es del Barroco, en esta época se utiliza el clave)
El Clarinete también se empieza a utilizar en el Clasicismo, así que si oyes una pieza donde se escucha un clarinete y un clave, seguramente te estarás equivocando y en vez de un clarinete sea un oboe y pertenezca al Barroco. Algo parecido pasa con la trompeta que en el Barroco era muy limitada y a partir del Clasicismo tiene mucha versatilidad.
Aquí te pondremos ejemplos
Un preludio o una tocata sonaría algo así (Barroco)
La fuga: una melodía (sujeto) que se va repitiendo por todas las voces (Barroco):
Concierto para solista del Barroco (En este caso es un Concierto para Violín). Fíjate cómo se escucha el clave, este detalle es esencial para ubicarlo en el período acertado (El Barroco)
Concerto Grosso (como ejemplo el concierto de Brandemburgo nº 5 de Bach)
La Suite barroca: una pieza para toda la orquesta sin ningún solistas:
Sonata del Clasicismo
Concierto para solista del Clasicismo
Sinfonía del Clasicismo (En este ejemplo les pondré la Sinfonía "El Reloj" de Haydn, sabrás por qué le pusieron ese nombre si la escuchas atentamente)
Sonata del Romanticismo (A partir de aquí fíjate en los cambios de intensidad y de tempo)
Una pequeña pieza, en este caso un estudio de Chopin
Concierto para solista del Romanticismo (Se trata de un concierto para violín de Brahms: el solo de violín comienza a partir del minuto 2:50)
Sinfonía (También de Brahms)
Respecto a la ópera, en primer lugar aquí les dejo un ejemplo de recitativo y aria. Comienza el recitativo y a partir del minuto 0:50 empieza el aria. Como podrás suponer se trata de música barroca
Un aria de Mozart, de la ópera: La Flauta Mágica.
Un dúo del Romanticismo (En este caso es de Verdi)
Y el Coro de esclavos de la ópera Nabuco de Verdi (Romanticismo)
Por último les dejo un vídeo de un Lied romántico.
Espero que todos estos ejemplos te faciliten para la Audición de este trimestre. Suerte.
…Hoy, sin embargo, es el consumidor quien tiene demasiado donde elegir. La música prolifera en todos los aspectos de nuestras vidas, a veces de forma invasiva, y quizá eso no sea lo mejor para nosotros ni para la música. Es un bien muy valioso, pero que se derrocha con facilidad; la mayoría oímos una gran cantidad de música, pero escuchamos sólo un poco. Oscar Wilde habló despectivamente de alguien “que sabía el precio de todo y el valor de nada”…
Todos necesitamos mirar menos y escuchar más, lo que nos hará tener aún más discernimiento… Quizás así descubriremos que el mundo puede ser un lugar mejor.
Sir George Martin (Extracto del prólogo de la Guía Básica Rock y Pop)
Hola chicos, para hoy día 17 de mayo comenzamos a trabajar por grupos los trabajos de los estilos de música. Para ello deben hacer grupos de dos personas o de tres, no de más. Escoger un estilo de música moderno e irlo desarrollando. En él debe aparecer: 1) En qué consiste. 2) Características. 3) Instrumentos utilizados. 4) Dónde surgió. 5) Desarrollo histórico. 6) Cantantes y grupos representativos 7) Temas emblemáticos. y 8) Opinión personal. OJO, Deben hacerlo en un a presentación tipo Keynote. Les dejo nombre de estilos por si quieren elegir uno de la lista. Es muy importante no pisarse el trabajo. No pueden hacer el mismo estilos dos grupos. Estilos: Rock, Pop, (Estos dos pueden hacerlo uno inglés y otro latino), Rap, Trap, Reggaeton, Reggae, Ska, Soul, Funky, Electrónica, Heavy, Bossanova, Samba, Country, BSO, Flamenco, Salsa, Merengue, Bachata, etc
Hola Chicos y Chicas, aquí les pondré ejemplos de cada una de las audiciones que van a caer en la prueba.
Esta vez se dividirá en dos: por un lado ejemplos de los estilos que clausuraron el siglo XIX y dieron pie al siguiente siglo (Nacionalismo, Posromanticismo, Impresionismo y Expresionismo) en este caso deben distinguir el tema, compositor, estilo y país en el caso del Nacionalismo; y por otro lado identificar el estilo de corrientes musicales como algunos tipos de jazz, el rock and roll, etc.
Y a partir de aquí empezamos con el Jazz: primero con el Dixieland que fue el jazz primigenio, en los años treinta se dio el swing con big bands como las de Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie y en los años 40 se dio el Be Bop de la mano de varios músicos, entre ellos Charlie Parker y Dizzy Gillespie.
Ya en los años 50 se solapan algunos estilos como el Doo Wop (Grupos vocales) y el Rock and Roll con artistas como Little Richard, Chuck Berry o Elvis Presley. Este estilo ampliaría el horizonte del ingenio musical dando pie a muchísimos subgéneros.
Ya en Los 60 como ejemplo pondremos el Pop de Los Beatles, aunque en esta década aparecen también grupos como Los Rolling Stones, Led Zeppelin o el gran guitarrista Jimmy Hendrix.
La influencia del Rock y del Pop británico en España dio como resultados numerosos grupos que marcan una gran diferencia con la década anterior. Algunos de ellos cantaban en inglés como Los Canarios, originarios de Las Palmas de Gran Canaria.
En esta entrada les daré ejemplos de las diferentes audiciones de los tres períodos. Es importante que dediques un tiempo a intentar diferenciar cada una y ubicarla en el período determinado.
Antes de nada, esclarecer algunas generalidades de cada período.
En el Barroco se suele utilizar la textura polifónica o contrapuntística. La música es muy regular, marcada y en las piezas orquestales suele acompañar el clave.
En las formas menores las más importantes son el preludio y la tocata: piezas de carácter libre para instrumento de tecla y la fuga (que ya la hemos trabajado en clase)
En las formas mayores nos encontramos con el Concierto para solista (Una pieza orquestal y un instrumento solista), el Concerto grosso (Pieza orquestal y con un grupo de solistas) y por último la Suite (pieza generalmente orquestal que la constituye una colección de danzas de la época).
En la música Vocal, surge la ópera con preludios, arias, recitativos, dúos, coros e interludios instrumentales.
En El Clasicismo, la textura imperante es la homofónica. Cobra especial importancia la melodía, que llega a ser casi infantil en muchos casos.
Surge la Sonata Clásica (que ya hemos trabajado en clase) llega a ser tan importante que se utiliza en composiciones para todas las agrupaciones
Si la sonata la tocan uno, dos o tres instrumentos simplemente se llama sonata
Si la tocan cuatro, se denomina cuarteto, si la tocan cinco, quinteto,...
Si la toca una orquesta: Sinfonía
Y si la toca una orquesta con solista: Concierto para solista.
Desaparece la Suite Barroca y El Concerto Grosso y se desarrolla especialmente la Sinfonía y el Concierto para Solista
La ópera sigue en auge y se comienza a escribir óperas cómicas. Todas ellas con preludios, arias, recitativos, dúos, ..., coros e interludios instrumentales.
En El Romanticismo lo más importante es transmitir sentimientos. La música debía estar viva: al igual que un corazón no late siempre con el mismo ritmo, la música tampoco debía tener un mismo tempo. Hay grandes cambios de tempo y de intensidad.
El instrumento rey va a ser el piano: casi todo los románticos son grandes pianistas, empezando por Beethoven y siguiendo por Liszt, Chopin, Schumman, Schubert, etc...
Para piano se siguen componiendo sonatas, pero también surgen una serie de piezas breves: nocturnos, polonesas, valses, estudios, barcarolas, polcas, etc...
Surge una nueva forma: el lied, que son canciones para cantante y piano, generalmente con temática amorosa. El compositor más importante en esta nueva forma es Schubert.
En la música orquestal se siguen componiendo sinfonías y conciertos para solista y aparece una forma nueva: El poema sinfónico donde el compositor intenta relatar una historia solamente con música instrumental.
La ópera sigue siendo el espectáculo preferido por el público y en el Romanticismo se sigue componiendo pero de acuerdo con la estética moderna.
TEN EN CUENTA LO SIGUIENTE
En el Barroco no se utilizaba piano (si escuchas una obra con piano no es del Barroco, en esta época se utiliza el clave)
El Clarinete también se empieza a utilizar en el Clasicismo, así que si oyes una pieza donde se escucha un clarinete y un clave, seguramente te estarás equivocando y en vez de un clarinete sea un oboe y pertenezca al Barroco. Algo parecido pasa con la trompeta que en el Barroco era muy limitada y a partir del Clasicismo tiene mucha versatilidad.
Aquí te pondremos ejemplos
Un preludio o una tocata sonaría algo así (Barroco)
La fuga: una melodía (sujeto) que se va repitiendo por todas las voces (Barroco):
Concierto para solista del Barroco (En este caso es un Concierto para Violín). Fíjate cómo se escucha el clave, este detalle es esencial para ubicarlo en el período acertado (El Barroco)
Concerto Grosso (como ejemplo el concierto de Brandemburgo nº 5 de Bach)
La Suite barroca: una pieza para toda la orquesta sin ningún solistas:
Sonata del Clasicismo
Concierto para solista del Clasicismo
Sinfonía del Clasicismo (En este ejemplo les pondré la Sinfonía "El Reloj" de Haydn, sabrás por qué le pusieron ese nombre si la escuchas atentamente)
Sonata del Romanticismo (A partir de aquí fíjate en los cambios de intensidad y de tempo)
Una pequeña pieza, en este caso un estudio de Chopin
Concierto para solista del Romanticismo (Se trata de un concierto para violín de Brahms: el solo de violín comienza a partir del minuto 2:50)
Sinfonía (También de Brahms)
Respecto a la ópera, en primer lugar aquí les dejo un ejemplo de recitativo y aria. Comienza el recitativo y a partir del minuto 0:50 empieza el aria. Como podrás suponer se trata de música barroca
Un aria de Mozart, de la ópera: La Flauta Mágica.
Un dúo del Romanticismo (En este caso es de Verdi)
Y el Coro de esclavos de la ópera Nabuco de Verdi (Romanticismo)
Por último les dejo un vídeo de un Lied romántico.
Espero que todos estos ejemplos te faciliten para la Audición de este trimestre. Suerte.
Lee atentamente este texto y realiza un breve comentario en el que indiques el tema, así como las ideas principales y secundarias; también tendrás que relacionar su contenido con tus conocimientos y expresar tu opinión personal, así como si estás de acuerdo o no con el autor y dar tus razones. Hazlo en una hoja.
- Has de usar tus propias palabras y no las del texto.
- No debes cortar y pegar la información sino elaborarla tú. Piensa antes de escribir lo que vas a poner.
- Cuida la claridad, la corrección ortográfica y expresiva, y la presentación.
Música y tecnología: ¿adaptarse o morir? por LAURA ODENE
La música es uno de los fenómenos comunicativos más importantes del mundo, ya que es uno de los medios de expresión más compartidos y primordiales para la sociedad. Por ello se trata de uno de los ingredientes protagonistas del ámbito de la cultura, siendo quizá uno de los que más público atrae. Es además un campo muy amplio en el que caben todo tipo de géneros y modalidades musicales. Desde que la música pudiera ser recopilada y almacenada, la industria asociada a este sector cultural ha avanzado a pasos agigantados. La era digital lo ha revolucionado todo, modificando incluso el concepto de realidad tal y como se conocía. Esta ha cobrado multitud de sentidos posibles. La era digital también ha tocado la música, y quizá de forma aún más especial que al resto de sectores. En un principio esta evolución llegó de la mano de programas informáticos, como Audacity, que abrieron las puertas del mundo de la producción y la edición a músicos aficionados. Esto les brindó la oportunidad de grabar y fabricar su música por ellos mismos. Luego llegó Internet, que sobrepasó las posibilidades que la informática y la tecnología offline podían llegar a ofrecer a la música, sobre todo en lo referente a la difusión. Podría decirse que gracias a Internet se rompió la clásica concepción de tener que meter la cabeza en una gran discográfica para poder llegar al público y hacerse visible. La web 2.0 democratizó la música. El ejemplo más evidente para todos los internautas es el portentoso YouTube, donde cualquier persona puede compartir vídeos de toda índole. No puede pasar desapercibido el fenómeno Spotify, junto a otras plataformas legales de reproducción y difusión musical. Han llegado incluso a plantar cara al serio problema de la piratería, que es la contra que ha supuesto esa “democratización de la música”. La era Smartphone Si ya de por sí Internet supone un universo en todas las materias posibles, la nueva revolución tecnológica que han brindado Android e iOS es toda una galaxia. La era Smartphone, el teléfono inteligente, ha brindado la posibilidad de hacer más tangibles las nuevas posibilidades musicales. Ha permitido incluso llegar a hacer sonar un instrumento a través de una pantalla. Han conseguido que la música se pueda tocar, literalmente. Esto se logra través de lo que se conoce como aplicaciones móviles. Estas aplicaciones son los nuevos sintetizadores. Una de ellas sería, por ejemplo, Garage Band. Esta App permite elegir un instrumento y tocarlo a través de un simulador, sin necesidad de saber hacerlo en la realidad. También permite grabar, editar o reproducir una caja de ritmos. Otra aplicación similar es Smartchord, para aprender a tocar instrumentos de cuerda. También a la hora de la propia creación musical se dispone de este tipo de recursos. Es el caso de Djay o Edjing, más enfocada a la producción y a la mezcla de canciones, al más puro estilo DJ. Notion, por su parte, brinda la posibilidad de escribir y crear partituras para luego reproducirlas eligiendo alguna simulación de instrumentos. Y una de las más extrañas e innovadoras es Orphion, un instrumento virtual que mezcla cuerda y percusión. Adaptarse para no morir Como se ha visto, hoy en día existen aplicaciones para todo en lo que a música se refiere. De hecho esto plantea una discusión seria entre los músicos: la banalización de este arte. Ante el fenómeno de la tecnología musical y la frivolidad que acarrea, se dan dos posiciones. Por un lado están aquellos que se muestran escépticos con respecto a las posibilidades que han aportado la tecnología y la informática a la industria musical. Por otro se encuentran los que se suben a esta ola para sacarle el máximo rendimiento. Sin embargo, lo que está claro es que la actualidad manda. La existencia de nuevos métodos musicales a través de la tecnología es un hecho innegable que ha llegado para quedarse.
Música y Tecnología Por Josué Peñaloza
La música se ha transformado. La manera de hacer y de escuchar música ha cambiado con el uso de la tecnología. La actual música electrónica, surgida a principios del siglo veinte, se sirve de máquinas, capaces de producirla de tal manera, que resulta imposible ejecutarla humanamente. Sin embargo mucha de esta música ya no expresa nada, ni es agradable a los sentidos, ni toca los sentimientos. Entonces, ¿Qué es lo que hay detrás, en las profundidades de la mente humana que la impulsa a seguir el camino de la tecnología?¿Cuál es la razón, la justificación de que el hombre actual prefiera hacer y escuchar música tecnologizada, música electrónica? Tecnología Es común asociar el término tecnología con instrumentos o cosas que nos facilitan nuestras actividades diarias: aparatos electrodomésticos, transporte, comunicaciones masivas etc. La humanidad siempre ha buscado hacer de su vida algo más sencillo y confortable. Se sirve de la tecnología. El hombre es tecnología. La tecnología hace tecnología. La tecnología se ha posesionado de todo, entre ello, de la música. La música electrónica. La música electrónica es pues la música producida por medio de la tecnología, de aparatos que funcionan con electricidad. Un género de música que nació en el pasado siglo XX, producto de los grandes avances en la ciencia y en la tecnología. Uno de los primeros músicos a quien se puede considerar como el antecesor directo de la música electrónica es sin duda Luigi Russolo, que también participó en el movimiento de vanguardia, el “futurismo”, y quien, además de construir una máquina musical denominada “Intonarumori” o entona-ruidos, publicó en 1913 la carta-manifiesto "El arte de los ruidos, donde expone: “Si hoy, que poseemos quizá unas mil máquinas distintas, podemos diferenciar mil ruidos diversos, mañana, cuando se multipliquen las nuevas máquinas, podremos distinguir diez, veinte o treinta mil ruidos dispares, no para ser simplemente imitados, sino para combinarlos según nuestra fantasía.” Círculo vicioso La música electrónica termina con la discusión estética entre el compositor y el ejecutante. Estas dos figuras se fusionan en ella, ya no hay ni compositor, ni ejecutante. Existe sí, la figura del técnico, el DJ, el que manipula a la máquina, pero no es compositor, sino que más bien un improvisador, o aun peor, un juguetedor de la “música’. Tampoco es ejecutante, pues es la máquina la que produce el sonido. Así, con la muerte de la figura del músico, del artista, se termina con esa discusión estética. Entonces, en nuestro tiempo la imagen de un compositor, un Bach, un Mozart, o y la imagen del ejecutante virtuoso, un Paganini o un Chopin ya son inconcebibles, con las máquinas, se puede hacer música imposible de interpretar humanamente. Al ser la música electrónica, más accesible a los legos, la tendencia toma fuerza. Son muchos los prospectos a hacer música electrónica; además de ser también grande la cantidad de quienes la escuchan. Y como todo esto es redituable para la industria del entretenimiento y los medios masivos de comunicación, se agranda la producción, se trata de dar al público lo que está pidiendo. Sin duda es un círculo vicioso. Desencanto. La música siempre ha estado con nosotros, con ella conocemos y nos conocemos. La tecnología musical no pide nada, y en cambio si se comparte de manera desinteresada. En cambio la música tecnologizada siempre persigue un fin, la tecnología misma, una cierta esclavitud del hombre a la tecnología. Es decir, que al secarse la creatividad, se busque suplantarla con tecnología, pero que al usar la maquina, en realidad ella nos use. He aquí el desencanto. La tecnología, asesina la creatividad del hombre. Este, atenido a la máquina, en el momento que ésta falla, ya no se sabe qué hacer, y se siente en la completa orfandad. Se extingue la música. Solo queda el sonido, el ruido que ya no dice nada, no da referentes para lograr discernir el entramado del contexto al que pertenecemos. Llegará el momento en que al poner en un aparato música, ya no sabremos si esta es hecha por un chino, un hindú, un africano o un guatemalteco. Y dará lo mismo lo que diga una chino o un japonés, o en otras palabras, estéticamente ya no habrá nada que decir. Ya no será la apreciación de la belleza, sino de la enajenación, la evasión de sí mismos. Disolución. Hoy, lo que se tenía entendido por música, apunta a su disolución. El hombre esta esclavizado por la máquina. Un “Loop” es un eterno retorno a lo mismo, es lo que en la escritura musical se llama “ostinato”. Los loops de la música electrónica hacen de ella una música obstinada, necia. Con la música electrónica, el hombre es el medio por el cual la máquina se hace presente. Su ritmo estable, impera adormecedor como las pulsiones del corazón de una máquina. Aplaudamos pues a la maquina. La maquina que es capaz de convertir al mundo en inmenso y oscuro mar de sonidos subcromáticos. El ejecutante de música electrónica, actual, el DJ. Ya no maneja la ciencia de la música. En su lógica (proveniente del logos), razona que todo tiene lógica, que cualquier cosa que haga será un referente, y puesto que la mente humana siempre busca referentes, le encontrará significados. Aunque en realidad él ya no tenga nada que decir. El ritmo de la vida de occidente es repetitivo. La música electrónica, descendiente de la cultura occidental solo ha hecho que la música acústica, arcaica y con espíritu, se haya transportado a la máquina, haciéndola maquinal, un fetiche de música. Claro que sin alterar el ritmo dominante. ¿Cómo romper con este ritmo maquinal del Logos?, ¿Torcer a la maquina?. ¿Un ritmo progresivamente inestable? Pero torcer a la maquina es también torcer al hombre mismo. El hombre se ha convertido en una maquina. No es autosuficiente. No hay maquina sin hombre. Triste futuro el de un hombre que no este conectado a una la maquina. ¿Quién se atreve a torcer a la maquina, quien a romper esta relación?
Nacionalismo, posromanticismo e impresionismo 2º ESO
A finales del siglo XIX muchos compositores, sin dejar de hacer música romántica intentan transmitir sentimientos, pero sobre todo sentimientos nacionalistas. Comienzan a valorar su país y sus costumbres y esto se refleja en su música. Para ello, los compositores utilizan melodías, ritmos o escalas de la música folclórica. A este tipo de música se le denominó música nacionalista. Los primeros nacionalistas fueron los rusos:
Rusia
Glinka fue el primer nacionalista.
Le sigue el grupo de los cinco:
Rimsky-Korsakov. En su ópera Sadko aparece el famoso “Vuelo del moscardón”
Mussorgsky: Su obra más conocida es el Poema Sinfónico: “Cuadros de una exposición”
Borodin: Una de sus obras, el poema sinfónico: “En las Estepas del Asia Central”
Balakirev, y por último Cui
Después de este grupo apareció el compositor más destacado:
Tchaikovsky. Dos de sus obras: La Suite “El lago de los cisnes” y la Suite “El cascanueces”
El Lago de los cisnes
Marcha de la Suite del Cascanueces
Hungría
Zoltan Kodaly y Bela Bartok (De estos dos no pondré ninguna audición)
Noruega El compositor más sobresaliente es Grieg. En su obra “Peer Gynt” aparece su tema más conocido: “La Mañana” y también “En la cueva del Rey de La Montaña” La Mañana de Edvard Grieg
En la cueva del rey de la montaña (En esta versión aparece un coro que no está en la original, pero les puse este vídeo para que se entretengan mejor)
República Checa
Dvorak es el compositor más importante de este período. Su obra más emblemática es “La Sinfonía del Nuevo Mundo” (este título se le dio a su Sinfonía nº 9).
Otro compositor es Smetana que en su obra “Mi Patria” aparece la famosa pieza: “El Moldava” El Moldava; Smetana
España
Los nacionalistas más importantes son: Albéniz, Granados, Manuel de Falla y Turina.
De Albéniz: “La suite Iberia” (para piano).
De falla: el ballet: “El Amor Brujo” o “El Sombrero de Tres Picos”
Danza del Fuego de "El Amor Brujo" de Falla
POSROMANTICISMO
Con los mismos ideales del romanticismo surge el Posromanticismo a finales del siglo XIX. La idea es seguir la tradición de la música de Wagner, pero además impresionar con la música y para ello se compone para orquestas gigantes. También se intenta huir de la tonalidad. De los compositores más representativos de ese periodo nos encontramos a Mahler , Richard Strauss y Rachmaninov.
Una obra de Richard Strauss: los poemas sinfónicos “Así hablaba Zaratustra” y “Don Juan”
Richard Strauss: Preludio de Así Hablaba Zarathustra. Compuesta en 1896. Se utilizó como banda sonora de la película "2001, Una Odisea en el Espacio" de 1968. Lo curioso es que después de 118 años después de su composición nos sigue sonando a futurista.
Richard Strauss: Don Juan
IMPRESIONISMO
Se trata de una corriente musical que huye de las normas establecidas. Al igual que los artistas impresionistas de la pintura, la música también busca crear impresiones, por ello se destruye la melodía, como se había estado utilizando y se intenta jugar con los timbres y sonidos aislados. Para crear impresiones musicales se deja de utilizar las escalas de las tonalidades y se buscan otro tipo de escalas, como la pentatónica (de cinco sonidos, propia de Oriente) y la escala de tonos enteros. También se utilizan instrumentos propios de otras culturas, como el gong.
Los compositores más importantes dentro de este período son Debussy, Ravel y Satie.
De Debussy dos obras representativas son: La suite para piano “Claro de Luna”
Debussy: Preludio a la Siesta de un Fauno
Erick Satie: Gymnopedia nº 1
EXPRESIONISMO
Es un movimiento artístico en el que se abandona el realismo para crear realidades propias, llegándose al arte abstracto. En música se rompe definitivamente con las leyes de la tonalidad y todos los doce sonidos de la escala cromática tienen el mismo valor. Prevalece la expresión. El compositor más relevante de este movimiento es Arnold Schoenberg.
Una pieza Expresionista: Pierrot Lunaire de Schoenberg
El Expresionismo llega a desembocar en el Dodecafonismo, que consiste en ordenar los doce sonidos de la gama cromática formando una gran serie, que recibe el nombre de serie original y una vez hecha esta serie se puede repetir, invertir, hacerla al revés, etc. Arnold Schoenberg sigue siendo el abanderado de este sistema. Una obra dodecafónica de Shoenberg es su "Suite para piano OP. 25"
Y hasta aquí todo, espero que les salga bien la audición.
